Davide Dormino wurde 1973 in Udine geboren. Er lebt und arbeitet in Rom.

Der Künstler drückt sich hauptsächlich durch Skulpturen und Zeichnungen aus, wobei er nach neuen Formen sucht und die lyrischen und plastischen Möglichkeiten von Materialien wie Marmor, Bronze und Eisen nutzt.

In seinen Werken der öffentlichen Kunst und Umweltkunst zeigt sich eine Tendenz zur Monumentalität (Poltergeist, 2019) und zur Aneignung von Raum (Naviganti – Denkmal für die Vorstellungskraft, 2017). Jede seiner Kreationen erforscht eine Sinnsuche, indem er Themen aufgreift, die für den Menschen grundlegend sind (Atlante, 2019).

Er hat in Italien und im Ausland Werke für die Umwelt geschaffen, darunter Breath (2011), das von den Vereinten Nationen in Auftrag gegeben und dauerhaft auf dem North Lawn des UN-Hauptquartiers in New York installiert wurde.

Anything to Say? (2015) ist ein wanderndes Bronzedenkmal, das der Meinungs- und Informationsfreiheit gewidmet ist. Im Gegensatz zu traditionellen Statuen, die auf einem Podest stehen und im öffentlichen Raum verankert sind, reist dieses Werk, um gesehen und gehört zu werden. Es stellt drei symbolische Figuren unserer Zeit dar – Julian Assange, Chelsea Manning und Edward Snowden -, die auf drei Stühlen stehen. Über die Plattform WikiLeaks haben diese Whistleblower Kriegsverbrechen und Menschenrechtsverletzungen aufgedeckt und damit Regierungen auf der ganzen Welt erschüttert.

Die Skulptur lädt das Publikum zur Interaktion ein: Ein vierter leerer Stuhl steht daneben und legt jedem nahe, darauf zu steigen, um Stellung zu beziehen und sich zu äußern. Für dieses engagierte Werk erhielt Davide Dormino 2016 den Ethikpreis der französischen Organisation AntiCor.

Seit 2003 unterrichtet er Zeichnung, Skulptur und Installation an der R.U.F.A. (Rome University of Fine Arts).

Die in Marokko geborene Laure Boulay machte zunächst Karriere im Journalismus, bevor sie sich der Bildhauerei widmete. Nach den Worten haben nun ihre Hände das Wort ergriffen. Ihre Arbeit drückt sich hauptsächlich durch Bronze, aber auch durch Eisen und Aluminium aus.

Da sie sich gegen allzu lineare Biografien sträubt, ist sie der Ansicht, dass es ihre Werke sind, die ihre Geschichte erzählen. “Meine künstlerische Geburt war vielleicht 2005, als ich einen Haufen Ton auf einem Küchentisch liegen hatte“, sagt sie. “Aber in Wirklichkeit ist sie in einem langen Prozess verankert, der in der Kindheit begann, als ich schon im Schlamm herumplanschte und alte Eichen formte, deren Wurzeln so zahlreich waren wie ihre Äste.“

Sie ist Autodidaktin und hat nie eine akademische Ausbildung in bildender Kunst absolviert. “Ich habe nie eine Kunsthochschule oder eine Universität für Zeichnen besucht“, sagt sie. “Ich habe keinen Abschluss als Künstlerin, also bin ich Journalistin geworden“. Doch eines Tages reichten die Worte nicht mehr aus. Schreiben sperrte die Emotionen in eine Buchstabenjacke, während das Material geknetet, verformt und geformt werden konnte, um den vergrabenen Ängsten Gestalt zu verleihen.

Im Zentrum seiner Arbeit steht eine Obsession: der Mensch, der in sich selbst gefangen ist. Dieser rote Faden zieht sich durch sein gesamtes Werk und findet sich in seinen Skulpturen wieder, die von Spannung, Eingeschlossensein und Resilienz geprägt sind.

Unter ihren persönlichen Ausstellungen ist Brave New World in der Galerie Pièce Unique in Paris hervorzuheben. Sie hat auch an mehreren Gruppenausstellungen teilgenommen, darunter Monologue à deux in Meaux und die Biennale OSTRALE in Dresden, wo sie mehrfach ausgestellt hat. Ihre Skulptur ELLE wurde im Salon d’Automne, auf der OSTRALE (Dresden), in Potsdam und in Amsterdam ausgestellt.

Heute befinden sich ihre Werke in mehreren Privatsammlungen in Europa und Asien.

Laure ist seit 2024 mit zwei Installationen in Vullierens präsent: Scala Spina im Keller des Schlosses und Les Autres im Hof.

Yves Dana wurde am 25. Juni 1959 in Alexandria, Ägypten, geboren. Er ist ein Schweizer Bildhauer, der für seine Arbeit mit Eisen, Stein und Bronze bekannt ist. Im Jahr 1961 zog seine Familie in die Schweiz, wo Dana seine künstlerische Karriere begann. 1979 eröffnete er sein erstes Atelier in Lausanne und begann, mit Eisen zu arbeiten. Er schuf über 200 Skulpturen aus diesem Material.

Parallel zu seiner künstlerischen Tätigkeit erwarb Dana 1981 an der Universität Lausanne ein Lizenziat in Soziologie und 1983 ein Diplom an der École Supérieure des Arts Visuels in Genf. Seine erste bedeutende Ausstellung fand 1985 in der Galerie Alice Pauli statt und markierte den Beginn seiner Anerkennung. 1987 richtete er sein Atelier in der Orangerie des Parc Mon-Repos in Lausanne ein, einem außergewöhnlichen Ort, der für seine Kreativität von entscheidender Bedeutung wurde.

1996 beeinflusst ein sechsmonatiger Aufenthalt in Ägypten seine Arbeit tiefgreifend. Er vereinfacht seine Formen und konzentriert sich auf hieratische Stücke, womit er die Serie der „Stelen“ einleitet. 1999 wandte er sich der Steinskulptur zu und bearbeitete Blöcke aus verschiedenen Ländern. Im Jahr 2002 gab er das Eisen auf, um sich ganz dem Stein zu widmen. Er schuf monumentale Skulpturen, die an renommierten Orten wie New York und dem Guggenheim-Museum in Bilbao ausgestellt wurden.

Dana hat an über 120 Gruppenausstellungen und mehr als 50 Einzelausstellungen weltweit teilgenommen. Im Jahr 2009 eröffnete er ein Atelier in Pietrasanta, Italien, wo er weiterhin mit Gips und Stein arbeitet. 2015 erhielt er den Preis der Fondation Vaudoise pour la Culture und eine große Retrospektive wurde im Musée Arlaud in Lausanne organisiert. Im Jahr 2022 wird eine Skulptur im Tel Aviv Museum of Art ausgestellt.2023 wird eine neue Monografie veröffentlicht, die die Bedeutung seines Werks hervorhebt, und eine große Retrospektive bei Artcurial, Paris, veranstaltet. Ab diesem Zeitpunkt arbeitete er mit der Galerie Waddington Custot in London zusammen.

Die Skulpturen von Yves Dana sind seit 2023 in Vullierens präsent.

Catherine Gfeller ist eine Schweizer Künstlerin, die 1966 in Neuchâtel geboren wurde und heute mit ihrem Mann, dem Philosophen Bernard Salignon, und ihrer Tochter Clara in Paris und Südfrankreich lebt.

Seit über dreißig Jahren hat sie ihre Arbeiten in zahlreichen Ausstellungen auf der ganzen Welt gezeigt (Saudi-Arabien, Südafrika, Deutschland, England, Argentinien, Belgien, Kanada, Chile, China, Kolumbien, USA, Frankreich, Holland, Israel, Italien, Slowenien, Schweiz, Ukraine).

Ihre Ausdrucksmittel sind Fotografie und Video. 1999 erhielt sie in Paris den Preis der HSBC-Stiftung für Fotografie und 2022 den Preis des Kulturministeriums.

Ihre Inspirationsquelle sind Reisen in die Ferne, Städte und Menschenmassen, unbewohnte Landschaften und Frauen in Bewegung. Sie interpretiert sie neu, indem sie „Multi-Kompositionen“ schafft, die uns eine subjektive Sicht auf unser zeitgenössisches Leben bieten.

In ihren Museumsausstellungen lädt Catherine Gfeller die Besucher ein, durch großformatige Installationen in Form von Fotografien, Videoprojektionen, Klangstücken oder Objektskulpturen zu wandern. Die Betrachter tauchen inmitten eines sensorischen Universums ein, das zwischen Fiktion und Realität schwankt.

Ihre Aufenthalte in China haben sie besonders fasziniert, und sie hat sich für die Beschwörung der chinesischen Frau interessiert, die gleichzeitig zeitgenössisch und unvordenklich ist.

In ihrer Installation in Vullierens mit dem Titel La Gardienne du Temps (Die Hüterin der Zeit) würdigt Catherine Gfeller eine vergessene, verschwiegene Frau, eine verschwundene Mutter, die jedoch der Ursprung einer großen Blutlinie ist.

Durch die Vermischung von historischen Fakten und poetischer Erfindung erweckt Catherine Gfeller diese unbekannte Frau zum Leben – als ob sie Raum und Zeit durchquert hätte.

Sie stellt die chinesische Frau des berühmten Uhrenpioniers Edouard Bovet-de-Chine (1797-1849) dar und erfindet sie neu. Sie war die Mutter ihres Sohnes Edouard-Georges, der in Macao geboren wurde und später im Kanton Waadt lebte. Wir kennen weder die Identität dieser Frau noch ihre Geschichte, und auf dieses Rätsel gründete Catherine Gfeller ihr Projekt.

Die Hüterin der Zeit steht am Rande des Parks von Vullierens zwischen zwei Bäumen (ein Echo auf ein anderes Paar, Philemon und Baucis). Sie sucht den Horizont ab und nimmt ihren Platz ein, ihre Verankerung in ihrer Abstammung und ihrer persönlichen Geschichte.

Ein Zeichen für ihr Schicksal? Der Besitzer des Ortes heißt M. Bovet. Mit dem Koffer in der Hand und von weit her kommend, ist sie gut angekommen, unsere Lady Bovet. Schauen Sie, SIE IST DA, bereit, uns ein paar Worte zu sagen – kryptische Worte, die jeder interpretieren und sich zu eigen machen kann.

Die Doppelinstallation La Gardienne du Temps nimmt aufgrund ihrer Größe (5 Meter) und ihrer skulpturalen Technik in Zusammenarbeit mit Spezialisten einen besonderen Platz im Schaffen von Catherine Gfeller ein: Xavier Hool und Jacques Moinecourt.

Die Präsenz des Satzes ELLE EST LÀ zeigt den literarischen Aspekt ihres Werks, der in ihren Fotografien und Videos stets unterschwellig auftaucht, um die Gedanken ihrer Protagonisten oder der Künstlerin selbst auszudrücken, die sich – wie mit einem Augenzwinkern – an das Publikum wendet.

Paolo Grassino (*1967 in Turin) ist ein italienischer Künstler, dessen monumentale Skulpturen organische Formen und mechanische Elemente miteinander verbinden. Er arbeitet mit rohen Materialien wie Beton, Gummi oder Wachs und formt hybride Figuren, Menschen oder Tiere, die in einem schwebenden Moment eingefroren sind. Sein Werk hinterfragt die Spannungen zwischen Natur und Technologie, den Verlust der Identität und die Enthumanisierung. Trotz ihrer scheinbaren Kälte strahlen seine Skulpturen eine starke emotionale Ladung aus und laden zu einer stillen und tiefen Reflexion ein. Seit 2021 in den Gärten präsent (als Leihgabe eines Freundes des Châtelain), schafft seine in der Kathedrale von Saule platzierte Installation einen kraftvollen Dialog mit dem Ort – eine sinnliche und zugleich kontemplative Erfahrung.

Davide Rivalta (1974) lebt und arbeitet in Bologna, wo er an der Akademie der Schönen Künste studierte und seit 2004 Bildhauerei unterrichtet. Bildhauerei, Zeichnung und Malerei sind seine bevorzugten Ausdrucksformen.

1998 gewann er einen Wettbewerb für die Installation eines Werkes im Innenhof des Justizpalastes in Ravenna, in dem er sechs überlebensgroße Gorilla-Skulpturen aufstellte. Dies war der Startpunkt seiner künstlerischen Entwicklung.

Rivalta dialogisiert und wird eins mit seinen Tieren. Sie alle existieren wirklich. Er hat sie in Gefangenschaft beobachtet und fotografiert, um mit groben Strichen ihr Verhalten und ihre Charaktereigenschaften wiederherstellen zu können.

„Ich habe mich entschieden, keine stereotypen, unpersönlichen Bilder von Exemplaren jeder Spezies darzustellen, sondern echte individuelle Porträts zu schaffen„, sagt Davide Rivalta. „Nicht ein Bär, ein Wolf, ein Nashorn, sondern dieser Bär, dieser Wolf und dieses Nashorn, die lange Zeit in unnatürlichen Umgebungen beobachtet wurden, in denen der Mensch sie eingesperrt hat, um sie bewundern zu können, um sie zu kennen, um sie zu halten und um sie auszubeuten. Die Haut dieser Tiere zeugt von einem Konflikt zwischen Freiheit und Gefangenschaft, Natur und Künstlichkeit, Instinkt und Domestikation. “

Davide Rivaltas Arbeit ist in mehreren italienischen, französischen und schweizerischen Städten ständig präsent. Er hat in mehreren italienischen Museen ausgestellt und an wichtigen Ausstellungen wie der Aichi Triennale (Nagoya 2010), Arte alle Corti (Turin 2016), Triennale di Milano (2019) teilgenommen.

Im Jahr 2021 bevölkert Davide Rivalta die Gassen, Gärten und historischen Überreste des Anwesens mit seinen 23 skulptierten Tieren und bietet den Besuchern ein einzigartiges und ephemeres Erlebnis. Seine Werke koexistieren perfekt mit der bestehenden Kunstsammlung, nicht zum ersten Mal für den Künstler, der den Schauplatz sorgfältig auswählt, um den Zuschauern diese starke und unterschiedliche tierische Präsenz je nach Umgebung zu vermitteln, das eigentliche Wesen seiner Arbeit.

Julian Voss-Andreae ist ein Bildhauer aus Deutschland, der in Portland, Oregon lebt und arbeitet. Am Anfang seines künstlerischen Schaffens standen Gemälde. Voss-Andreae änderte dann jedoch seine Richtung nach seinem Studium der Quantenphysik, die ihn stark inspirierte. Seine Arbeiten erregten rasch hohes Aufsehen und fanden Einzug in zahlreiche öffentliche und private Sammlungen in den USA und darüber hinaus.

Zu seinen bekanntesten bildhauerischen Werken gehören die so genannten „Quanten-Skulpturen“, die je nach Blickwinkel gewissermassen verschwinden. Sie bestehen aus zahllosen Metallplättchen, die perfekt parallel und in identischen Abständen miteinander verbunden sind. Steht man direkt davor, sind lediglich die ganz dünnen Seiten der Eisenplättchen zu sehen, so dass die Struktur praktisch unsichtbar wird.

Head
2019, Edelstahl

Michele Spanghero wurde 1979 im italienischen Gorizia geboren. Er lebt und arbeitet in Italien. Nach seinem Abschluss in moderner Literatur an der Universität von Triest nahm Michele Spanghero an verschiedenen Workshops in elektronischer Musik, Improvisation sowie Ton- und Videodesign teil. Sein bevorzugtes Medium sind Installationen, die Audioeffekte mit akustischen, bildhauerischen und fotografischen Elementen verbinden. Er ist bekannt für seine Töne erzeugenden Skulpturen. Aufgrund seiner Tonaufnahmen leerer Räume wird Spanghero häufig auch als Klangkünstler verstanden. Seine Arbeiten wurden bereits in Museen und Galerien, an Veranstaltungsorten und bei Festivals verschiedener europäischer Länder sowie unter anderem in China, der Türkei und den USA ausgestellt.

Seine Skulptur Dià (vom griechischen διά, „hindurch“) kombiniert die Dimensionen von Stille und Klang miteinander. Das Kunstwerk besteht aus zwei im Goldenen Schnitt zusammenmontierte Tuben, durch die Besucher die umgebende Landschaft hören oder beobachten können. Die Skulptur lädt dazu ein, mit den beiden Hohlräumen als Megaphon oder Guckloch zu interagieren, um einen intimen Dialog (dià-logos) durch die Skulptur selbst zu führen.

Das Werk von Michele Spanghero ist seit 2020 in den Gärten zu sehen.

Markus Graf wurde 1962 in Winterthur, Schweiz, geboren. Nach einer Ausbildung zum Schmied in der Schweiz eröffnete er seine erste Werkstatt. Nach einer langen Reise absolvierte er eine Bildhauerausbildung in Müllheim, Schweiz, und gründete dann sein Atelier in Frauenfeld, wo er Eisenskulpturen herstellte.

Gabriel Mazenauer wurde 1970 in Wil, Schweiz, geboren. Seine Ausbildung begann er mit einer Lehre als Schreiner und absolvierte dann eine Bildhauerausbildung in Müllheim, Schweiz. Er setzte sein Studium als Steinmetz fort und zog dann in seine Werkstatt in Wigoltingen, Schweiz, wo er Stein- und Eisenplastiken herstellte.

Aus der persönlichen und künstlerischen Freundschaft zwischen dem Eisenplastiker Markus Graf und dem Bildhauer Gabriel Mazenauer sind schon einige Projekte entstanden. Gemeinsam schaffen sie es, Skulpturen in grossen Ausmassen zu realisieren und eine einfache Formensprache zu finden.

Silhouette ist eine Stahlkreation, die von den beiden Freunden gemeinsam entworfen wurde und 2018 entstand. Es besteht aus sieben Bögen aus geraden und gekrümmten Flächen, die eine horizontale Linie von mehr als 12 Metern bilden. Die Installation vermittelt den Eindruck, aus dem Boden zu kommen, um die Luft zu durchqueren und am anderen Ende zu verschwinden, man kann auch den Umfang der Schweizer Berggipfel sehen. Je nach Blickwinkel wird die Skulptur ganz anders dargestellt, eher schmal oder breit, verschlungen oder mit einer klaren Linie wie ein Wasserzeichen.

Seit 2019 ist die Skulptur in unseren Gärten installiert.

Der niederländische Bildhauer Pieter Obels, Jahrgang 1968, studierte an der Kunstakademie in Tilburg. Nachdem er zunächst mit verschiedenen Materialien experimentiert hatte, konzentrierte er sich schließlich auf die Arbeit mit Stahl – das Material, mit dem es ihm am besten gelingt, seinen Ideen Ausdruck zu verleihen.

„Wenn ich mit einer neuen Skulptur beginne, habe ich dafür nicht wirklich einen Plan. Meine Arbeiten entstehen spontan, aus der Improvisation heraus. Ich verwandle den starren Cortenstahl in anmutige, lebendige Skulpturen. Ich mache aus dem Rohmaterial das, was ich bildlich ausdrücken möchte, lasse es tanzen und sich bewegen, ohne festen Rhythmus. Und so sollen Sie auch meine Arbeit durch Ihre eigene Bewegung erfahren, die Skulptur aus verschiedenen Blickwinkeln und Perspektiven entdecken. So spüren Sie die Bewegung des Stahls am besten.“

Die Skulpturen von Pieter Obels befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen auf der ganzen Welt.

Seit 2019 sind drei seiner Skulpturen sind in unseren Gärten zu sehen.

Allen Jones wurde 1937 im englischen Southampton geboren. Nach seinem Studium der Malerei und Lithografie am Londoner Hornsey College of Art schrieb er sich am Royal College of Art ein. 1963 wurde Jones bei der Pariser Biennale mit dem Preis für junge Künstler ausgezeichnet und 1986 an die Royal Academy of Arts berufen. Von 1990 bis 1999 gehörte er dem Kuratorium des British Museum in London an.

In den 1960er Jahren etablierte sich Allen Jones als kontroverser Popart-Künstler. Besonders bekannt sind seine Stahlskulpturen, Gemälde und Drucke weiblicher Körper. Sein sexuell aussagekräftiges, von provokativer Erotik geprägtes Frühwerk wich über die Jahre stilisierten, lyrischen Kompositionen, die nicht selten auch Performance-Elemente wie Modeschauen, Tanz und Cabaret-Darbietungen beinhalteten.

Jones stellte auf internationaler Ebene sowohl als Einzelkünstler als auch gemeinsam mit anderen Künstlern aus, unter anderem im Rahmen größerer retrospektivischer Wanderausstellungen seines Werkes. Zahlreiche Museen zeigen Jones‘ Arbeiten, unter anderem folgende Häuser: British Museum, Tate Gallery und National Portrait Gallery in London, Calouste Gulbenkian Foundation in Lissabon, Stedelijk Museum in Amsterdam, Museum of Modern Art und Whitney Museum of American Art in New York, Museum of Art in Chicago, Fogg Art Museum in Massachusetts, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington D.C., Vancouver Art Gallery in Kanada und Nagaoka Museum in Japan.

Allen Jones lebt und arbeitet in London.

Sein Werk “Femme Assise” (Sitzende Frau) aus rotem Stahl ist seit 2018 in den Gärten zu sehen.

Georges Coulon wurde 1914 in Chartre, Frankreich, geboren. Er studierte an der Ecole des Arts Appliqués und der Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris.

Dank seiner technischen Meisterschaft und seines kreativen Talents wurde er schnell auf sich aufmerksam und gewann den Preis der Casa de Velázquez.

Nach dem Zweiten Weltkrieg verstärkten Auszeichnungen und Erfolge seine Talente als figürlicher Bildhauer.

Verzweifelt wollte er feststellen, dass die bildlich Kunst für das Publikum attraktiver war, und beendete seine Karriere als Bildhauer in den späten 1960er Jahren abrupt, um sich der Malerei zu widmen. Er beschließt sogar, einige seiner Skulpturen loszuwerden, die von seiner Frau und Freund, dem Bildhauer Volti, gerettet und versteckt werden. Dieses Geheimnis wurde ihm kurz vor seinem Tod 1990 offenbart. Seine Werke sind daher wenig zahlreich, aber kraftvoll und elegant. Eine seiner Bronzeskulpturen ist seit Sommer 2018 auf der Südterrasse des Château Vullierens zu bewundern.